French Cultural Studies

Cet article analyse les aspects les plus réussis du film d’Alain Nahum Des gens qui passent, en tant qu’adaptation fidèle à l’esprit d’Un cirque passe de Modiano. Nahum réussit à créer « le climat Modiano » à travers une attention aux personnages, aux objets, aux couleurs, et à la lumière, entre autres procédés. L’article analyse également des transpositions et des résonances – surtout avec l’univers modianien mais aussi avec Godard. La disparition qui est au cœur de l’histoire est cependant plus complexe dans le roman, et l’aspect familial est moins complet dans le film. Nous analysons ces pertes à travers l’idée de dédoublement. Nous nous penchons également sur la présence importante, quoique subtile, des années noires dans le texte, aspect moins appuyé dans le film. Le poids symbolique du chien, absent du film, est examiné, ainsi que la présence des voitures et du cirque. Suivant l’exemple de Morris et de Nettelbeck, les techniques cinématographiques du roman sont étudiées, surtout celles de la transcription de « scènes », de la surimpression, du fondu, et des sauts temporels. L’article souligne cependant les aspects romanesques de ces techniques telles que Modiano les pratique, ainsi que la relation du narrateur avec les deux arts dont il est passionné : l’écriture et le cinéma.

Alain Nahum, photographe, dessinateur, et réalisateur, a accepté dans cet entretien de parler de son récent téléfilm pour France 2, adaptation d’Un cirque passe de Patrick Modiano (Des gens qui passent, 2009). Le film est désormais disponible en DVD chez Doriane Films, sous-titré en anglais. Nahum parle ici des éléments qu’il a privilégiés, y compris la lumière, la musique, les objets, les vêtements et les décors, pour tenter de respecter le « climat Modiano ». Il évoque aussi les défis présentés par le roman, et explique les raisons pour certaines décisions, telles que le parti pris de n’introduire ni voix off ni flashback. Il explique également quelques changements dans l’intrigue, parfois imposés par des contraintes pratiques, parfois employés pour souligner un élément souhaité (l’absence du chien, la présence plus forte de la guerre d’Algérie, l’objet structurant du projecteur, ou la mort suspecte de Grabley) et parle de l’expérience de travailler avec les acteurs du film.

Cette étude s’attachera à deux optiques simultanées, la première visant à mieux cerner le rôle et la signification du cinéma dans la création romanesque de Modiano, la seconde à situer l’œuvre de Modiano par rapport aux tensions, dans l’histoire culturelle française, entre cinéma et littérature comme formes d’expression artistique. Familier du cinéma et de ses techniques, Modiano, tout au long de son œuvre, les intègre dans sa pratique d’écrivain, tant sur le plan thématique que sur le plan stylistique. En nous demandant comment il convient d’interpréter cette présence, nous proposons que les romans les plus récents révèlent chez l’écrivain une volonté d’utiliser le cinéma en quelque sorte contre lui-même, pour monter une forme de résistance à la « société du spectacle » et pour défendre le lien d’intériorité et d’intimité qui se noue entre le romancier et ses lecteurs.

Cet article porte sur une des nouvelles les moins connues de Patrick Modiano : Dieu prend-il soin des bœufs ?, ouvrage de bibliophilie écrit en collaboration avec l’artiste Gérard Garouste. Après un court résumé de l’histoire de ce livre – variation sur le conte pour enfants traditionnel – le texte est situé dans le contexte de l’ensemble des écrits de l’auteur, afin de mettre en évidence les nombreux jeux de miroirs qui se créent. D’une part, sont mis en valeur des éléments du récit qui sont des constantes de l’imaginaire du romancier : les personnages-animaux servant de métaphores ; l’omniprésence de la Seconde guerre mondiale et de l’Holocauste ; le clin d’œil fait à l’Œdipe ; l’importance des images (contribution d’un artiste-illustrateur); les apports intertextuels. D’autre part, la spécificité de ce texte est soulignée : le fait qu’il se termine bien et sans ambiguïté, ce qui nécessite une inversion de plusieurs grands thèmes modianiens habituels. Il y a donc une concordance évidente entre la rareté de ce livre, qui est quasiment inaccessible au grand public, et la (relative) nouveauté de certains aspects de l’histoire qu’il véhicule, aspects également rares au sein de l’œuvre modianienne.

L’image que le lecteur construit des personnages de Patrick Modiano laisse peu de traces dans le souvenir, semble même contribuer à l’effacement de l’histoire dans la mémoire. Auteur d’une œuvre écrite en apparence contre l’oubli mais qui débouche sur l’oubli, Modiano se positionne comme un écrivain du silence qui est d’abord un passeur d’images. Ainsi, les contrastes et plus généralement les choix de couleurs et les formes d’illustrations jouent un rôle essentiel dans l’apport au sens de ses textes. N’étant pas lui-même illustrateur, il parvient à inscrire son œuvre dans des styles graphiques qui, pour être différents, n’en contribuent pas moins à lui donner du sens, à l’enrichir. Commençant par une analyse de l’écriture photographique de Modiano dans Chien de printemps, nous montrons ensuite comment Modiano introduit l’illustration dans son œuvre, non simplement pour l’inscrire dans la littérature de jeunesse (les albums de Choura, Catherine Certitude) ou la bande dessinée (Poupée blonde, Memory Lane), mais surtout pour fixer son univers imaginaire sous des formes d’expression graphiques (celles de Pierre Le-Tan, de Sempé, de Dominique Zehrfuss). Patrick Modiano s’empare d’une illustration – et de l’identité stylistique de l’artiste – afin d’ouvrir une fenêtre sur son œuvre, d’en dessiner lui-même certains contours, et de façon différente, de proposer un autre accès possible à sa réalité. Les dessins qui apparaissent dans les œuvres illustrées favorisent une concrétisation des grandes catégories de représentations (le flou, le tremblé, le contrasté, l’épuré, l’ombreux) qui structurent et nourrissent les atmosphères de ses récits. Les derniers romans, Dans le café de la jeunesse perdue et L’Horizon, sont également analysés ici.

La « mémoire oublieuse » étant le véritable support de l’écriture de Patrick Modiano, dans son roman de 2010, L’Horizon, un personnage-écrivain s’efforce d’éclaircir le mystère de certains épisodes vécus, tout en récupérant les images, les visages et les décors urbains d’une jeunesse déjà lointaine. Il entreprend une enquête sur les paysages flous de la mémoire, désireux de transcender cette ligne fluctuante de l’horizon mnésique, qui lui cache tant de choses à la vue, à la conscience, au langage. Prenant appui sur les valeurs de la structure d’horizon littéraire définie par Michel Collot, comme structure de connaissance et de pensée, d’imagination et d’expression, cet article analyse le fonctionnement de la remémoration modianienne, qui mène, dans L’Horizon, non seulement à la prospection nostalgique du passé personnel, et donc à la revalorisation des expériences vécues, mais aussi au jaillissement d’une écriture permettant de rêver à un avenir lumineux.

Dans l’introduction à son ouvrage, Patrick Modiano, Alan Morris présente l’ambiguïté comme « la qualité déterminante de l’univers modianesque ». Sur le plan herméneutique, cette problématique de l’incertitude affecte aussi le lecteur et sous-tend les intentions métadiscursives du roman de 2007, Dans le café de la jeunesse perdue. Le roman est une tentative d’accéder à la vérité d’une jeune femme : Jacqueline, surnommée Louki. Mais quel genre littéraire donnerait le plus satisfaction ? Roman policier, roman réaliste, biographie, autofiction ? Comment saisir son image, comment la faire remonter à la surface : voilà un des enjeux du texte. Pour les quatre narrateurs sur la piste de Jacqueline/Louki, il s’agit de combler des lacunes biographiques, auto-biographiques ou policières. Le roman de Modiano se construit dans cette tension qui oppose l’attirance suscitée par l’image de la jeune femme et la résistance qu’elle présente à son émergence. Cette muse parfaite accrochant la lumière mieux que les autres, est « la figure » qui, selon la définition de Bertrand Gervais, devient « un signe complexe hautement signifiant » à l’origine du processus créateur.

Cet article analyse certains aspects de « la ville textuelle » chez Modiano, adaptant la terminologie de « Textstadt » proposée en allemand par Andreas Mahler. La représentation de la ville de Paris est un élément-clé dans l’œuvre modianienne. Presque tous les romans de l’auteur contiennent des références à des lieux parisiens, des descriptions d’itinéraires parcourus par ses protagonistes, des souvenirs liés à des endroits particuliers de la capitale française ou des remarques sur la spécificité de différents quartiers. Cependant, à la précision apparemment réaliste de l’auteur s’ajoute régulièrement un procédé modianien qui laisse une marge de manœuvre à l’imagination du narrateur. Inversement, l’imagination dépend, elle, de son ancrage dans le réel. Chez Modiano, le rapprochement de la ville au monde maritime compte parmi les aspects les plus importants de cette méthode, que ce soit en faisant apparaître l’océan au coin d’une rue ou en comparant un bâtiment à un bateau. En nous concentrant sur ces images de mer, nous analysons la manière dont les romans modianiens transforment le paysage urbain pour créer une configuration textuelle qui tient tout autant de l’imaginaire que du réel.